Las recetas caseras de una de las familias vegetarianas más conocidas, los McCartney, salen a la venta de la mano de Mary, la hija mayor de Paul y Linda, que ha recopilado en un libro todo que le gusta comer desde niña.
Fotógrafa de profesión y cocinera por vocación, Mary, de 43 años y un carácter sencillo y cercano, reconoció que sacar adelante su libroMis recetas caseras fue un reto a varios niveles, empezando por su propia memoria.
“Nunca apunto las recetas en ninguna parte, cocino de memoria, algo que desespera a mi marido, que teme que un día deje de recordar cómo hacer los platos que gustan a mi familia. El libro me obligó a escribirlas y de esta manera poder conservarlas”, explicó la hija del exBeatle.
Publicado en castellano por la editorial Grijalbo, Mis recetas caseras incluye una variada oferta de sencillos desayunos, brunch, platos principales y postres que formaron parte del día a día de los McCartney, que unen rapidez en la elaboración y sabor intenso.
“Así es como yo cocino. A menudo no tengo tiempo, con el trabajo, para llegar a casa, reunir a todos y luego pasar una hora y media o dos cocinando”, explica la fotógrafa, responsable de varias campañas de su hermana, la diseñadora Stella McCartney, y su padre Paul.
La mayor de los hermanos McCartney busca ofrecer alternativas –”La gente adora los libros de cocina porque les gustan las ideas y nuevas soluciones”, señala con una sonrisa–, en un momento en el que la confianza de los consumidores se resiente por el escándalo de la carne de caballo detectada en envases etiquetados como vacuno.
Phil Ramone, que produjo éxitos de Paul Simon, Paul McCartney, Billy Joel y Barbra Streisand, murió este sábado en York a los 72 años, según un diario especializado. El productor, a quien apodaban «el Papa del pop», ganador de 14 Grammy Awards, había sido internado hace varias semanas por un aneurisma, precisa Billboard.
Nacido en Sudáfrica, hizo toda su carrera en Nueva York. Primero escribió canciones y luego fue ingeniero de sonido y fundador de los estudios A&R Recording en 1959. Fue productor desde el cantante de country Keith Urban a la rapera Queen Latifah, la estrella del rock Bono y la leyenda del R&B Aretha Franklin.
Phil Ramone era famoso por usar las técnicas más modernas. El primer CD que se editó, 52nd Street de Billy Joel, fue producido por él, así como el primer DVD pop, según la revista.
El grupo británico de electro-pop Depeche Mode suena un poco como los Beatles, al menos en una pieza de su nuevo álbum. "Es malo decir esto porque todos van a decir, '¿De qué habla?' Pero me recuerda a los Beatles o algo así" , dijo riendo el principal compositor y miembro fundador de la agrupación, Martin Gore, en referencia al tema tipo blues "Goodbye" . Pero Gore no quiere que sus seguidores confundan el mensaje del nuevo disco de Depeche Mode. Su característico sonido electrónico está presente en todo "Delta Machine" , la 13a producción del trío, a la venta esta semana. "Teníamos una visión clara de lo que debía ser el álbum" , señaló el músico de la banda que debutó en 1981, y cuyos éxitos incluyen "People Are People" , "Enjoy the Silence" y "Policy of Truth" . Depeche Mode, que completan el cantante David Gahan y el multiinstrumentalista Andy Fletcher, saldrá en una gira mundial que arranca el 5 de abril en Niza, Francia. En una entrevista telefónica reciente. Gore, de 51 años, habló de su familia, el nuevo álbum, el estado de la música electrónica y su reciente colaboración con Frank Ocean. A continuación, extractos de la entrevista. ¿Alguna vez te cansas de hacer música? - Me encanta estar en el estudio. Si estoy en casa, voy al estudio casi todos los días de todos modos. Simplemente es algo que me gusta hacer. Si quitas la música de mi vida no sé qué haría. Es lo único que realmente me apasiona. ¿Alguna vez sientes presión para igualar el éxito de tus lanzamientos previos? - No creo que nunca me haya preocupado demasiado sobre cuál es nuestro próximo objetivo, qué deberíamos estar sacando. Escribo de manera natural y orgánica e intento escribir desde el corazón. Cuando uno se sienta a escribir la primera canción, hasta que uno tiene unas tres o cuatro bajo la manga, siempre es, para mí, como una montaña que escalar. Uno mira ese papel en blanco y piensa, 'Dios, ¿cuántas canciones tengo que escribir aquí?' Siempre se siente como presión. ¿Qué opinas del sonido dance y electrónico que ha explotado en años recientes en Estados Unidos? - (Risas) Definitivamente es fenomenal. Encuentro un poco extraño que alguien como Deadmau5 monte grandes espectáculos para públicos masivos. Fui a verlo tocar en un show bastante pequeño en comparación con los otros que ha estado dando. Me parece raro ver a un DJ tocando ante públicos enormes. Sé que la gente lo viene haciendo desde hace tiempo, pero el hecho de que haya sido tan aceptado en Estados Unidos y que se haya convertido en esta nueva gran cosa, me parece un poco extraño. Colaboraste con Frank Ocean recientemente. ¿Qué tal estuvo eso? - El último día, creo que fue, que teníamos en el estudio en Nueva York, estábamos grabando algunas sesiones en vivo, un bono para la edición de lujo de nuestro CD, y Frank le preguntó a nuestro ingeniero si podía entrar a escuchar. Así que él entró y nos empezó a hablar y nos dijo que tenía una canción en la que quería que trabajáramos. Volvió más tarde y trajo la canción, y al día siguiente nos quedamos un día extra en el estudio y sólo hicimos unos cuantos trozos y no tengo idea de qué pasará con esa canción. Es una gran canción. ¿Qué consejo le darías a las bandas que están comenzando? -No quiero ser pesimista, pero los tiempos han cambiado tanto. No quiero decir que era fácil cuando empezamos, pero al menos había una industria musical saludable y las compañías discográficas buscaban contratar bandas y el dinero volaba alrededor. En este momento es realmente difícil. Incluso tengo sobrinos que hacen música, mi hija hace música. No sé qué consejo darles estos días. Es una industria realmente difícil en la que incursionar.
El Ensamble de Guitarras de Rosario presenta el disco Revolver (The Beatles) arreglado en la Nueva Afinación Standard (NST), desarrollada por Robert Fripp hace veinticinco años. El show, que incluye temas propios, es este sábado, desde las 23, en Berlín, Pje. Zabala 1128.
El grupo se gestó en 2010 y está integrado por músicos que, en distintos momentos, formaron parte de los cursos del Guitar Circle que dicta Fripp. Así, si la guitarra juntó las partes del ahora quinteto, el mentor de King Crimson los amontonó.
La pregunta es, por qué Revolver, un trabajo de quiebre en la discografía de los Fab Four.
Gonzalo Esteybar, director del ensamble, ensaya la respuesta en diálogo con Rosario3.com: “Porque en ese disco todavía tocaban en vivo, entonces las canciones están pensadas en parte para escenario. En esa época, ellos empezaban a incluir algo más de estudio, una tendencia que se hizo más notoria después”.
El músico explica que desde hace tiempo “vienen tocando temas sueltos” de distintos artistas, y el séptimo álbum del cuarteto de Liverpool era la oportunidad para cumplir con la intención de hacer una placa completa.
Al ser consultado sobre posibles próximos abordajes de Los Beatles, Gonzalo no descarta la posibilidad al admitir un “quizás un Sgt Pepper”. Pero se ocupa en diferenciar la situación: “No somos una banda de covers. Arreglamos las composiciones para guitarras electroacústicas con una afinación particular, distinta a la interpretación de cualquier otro conjunto”.
En concreto, la NST permite ampliar el rango dinámico de la guitarra (graves y agudos). El dato de la afinación particular no es menor porque, más allá del repertorio, el ensamble presenta “una manera de tocar, de hacer música”, apunta Esteybar sobre la agrupación que reúne instrumentistas entre los 25 y 45 años,
De Satie a King Crimson, pasando por Bach, Egberto Gismonti y Fito Paez; todo depende de la afinación con que se mire.
El concierto de este sábado se presenta como una suerte de despedida del álbum. “No quiere decir que no lo toquemos más pero es como cerrar un ciclo”. El grupo ya lo interpretó durante parte del 2012 en distintos escenarios y la apuesta a futuro trae otros desafíos.
Además de Esteybar, el Ensamble de Guitarras de Rosario está conformado por Leonor Levcovich, Maximiliano Mansilla, Rodrigo Comisso y Rodrigo Araus.
Un álbum de Los Beatles, firmado por los cuatro miembros de la celebrada banda, fue subastado este sábado en Estados Unidos por US$300.000, diez veces más del precio estimado.
Los subastadores con sede en Dallas dicen que la copia original del álbum 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (1967) fue comprada a través de internet por un coleccionista estadounidense.
La identidad del comprador y el vendedor aún no ha sido revelada.
1. La vida de Brian (Life of Brian, 1970).- Financiada por George Harrison, ex miembro de Los Beatles, y escrita por la compañía de comedia Monty Python; cuenta la vida de Brian, un hombre común y corriente al que le tocó vivir en el lugar y tiempo que, según la tradición bíblica, Jesús existió. Brian es confundido con el esperado mesías y entonces su vida cambia. Como escena memorable queda el canto de los crucificados.
2. La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988).- Jesús (Willem Dafoe) se muestra dubitativo sobre su destino, el morir en la cruz para –teóricamente- salvar a la humanidad. Será tentado muchas veces para cambiar el curso del mito difundido en la actualidad, incluyendo la tentación más grande de todas: la felicidad.
3. Deslumbrado (Bedazzled, 1967).- Stanley Moon (Dudley Moore) piensa suicidarse por una decepción amorosa, pero falla y, de improviso, aparece en su departamento un hombre misterioso (Peter Cook), quien es nada más y nada menos que Satanás. Stanley le vende su alma por siete deseos, pero no todo saldrá como espera.
Varios grandes de la música le han cantado a su fe; George Harrison, Eric Clapton, Bob Marley y U2 han dedicado temas a esa fuerza creadora que conduce a la espiritualidad En sus letras hablan de amor, de dolor, de desilusiones, de infinidad de temas, que parece casi imposible que la religión y en específico Dios y la fe queden fuera del repertorio de innumerables artistas que a lo largo de sus respectivas carreras, han dedicado algún tema, disco, o estrofa a quien consideran su más grande inspiración. George Harrison, ‘My Sweet Lord’ Este tema del exBeatle fue considerado por la revista Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. La canción es casi una alabanza al Dios Krishna y se pueden escuchar algunos mantras de la religión hindú que supuestamente profesaba Harrison, sin embargo, muchos consideran que la letra de la canción no se dirige a un Dios en específico. El éxito del tema llegó en una época en la que la paz era uno de los deseos principales de la gente y logró colocarse en los primeros puestos de las listas musicales de Estados Unidos y Gran Bretaña. U2, ‘Gloria’ (1982) “Oh Señor, si yo tuviera cualquier cosa te la daría a ti, te la daría a ti”, dice una de las partes de esta canción que llegó a convertirse en una de las más importantes de la banda irlandesa, que goza de gran fama en el mundo. El tema nació en un momento de crisis para la banda, ya que había sido robada la maleta de Bono que contenía las canciones que formarían parte de su nuevo álbum. Bono, Larry y Edge, en aquellos años se habían implicado mucho en un grupo cristiano de lectura de la Biblia, así que el resultado era de esperarse, “October”, segundo álbum de la banda estaba conformado por canciones —además de “Gloria”— como “Tomorrow” o “With a Shout” que tenían una clara influencia religiosa y espiritual. En “Gloria”, Bono canta algunas partes en latín, además la frase “la puerta está abierta y tú estás ahí”, es una clara referencia de la Epístola de los Colosenses. Eric Clapton, ‘Presence of the Lord’ “Por fin he encontrado una manera de vivir como nunca antes pude. Sé que no tengo mucho que dar, pero no puedo abrir ninguna puerta. Todo el mundo conoce el secreto, todo el mundo sabe la partitura. Por fin he encontrado una manera de vivir en el color del Señor”. Es la letra de esta canción escrita por Clapton y que en la actualidad ha sido utilizada por la religión cristiana, misma a la que estuvo ligado Clapton desde que tocó por primera vez este tema en uno de sus conciertos, ya que al terminar, dos personas que profesaban esta religión fueron a verlo a su camerino, lo invitaron a orar con ellos y, según lo contado por Clapton, a medida que se arrodillaba vio una luz cegadora, algo que él interpretó como una señal. A pesar de esta revelación el guitarrista y cantante seguía sumergido en las drogas, años más tarde logró superar su adicción a la heroína y al alcohol. Ahora se declara asiduo de la oración. “En la intimidad de mi habitación, pedía ayuda. No tenía idea que pensé de que estaba hablando, yo sólo sabía que había llegado al final de mis fuerzas ... y me coloqué sobre mis rodillas, me rendí. A los pocos días me di cuenta que ... había encontrado un lugar donde acudir, un lugar que siempre había sabido que estaba ahí, pero nunca realmente quería o necesitaba. Desde ese día hasta ahora, nunca he dejado de orar por la mañana, de rodillas, pidiendo ayuda, y por la noche, para expresar mi gratitud por la vida y, sobre todo, por mi sobriedad”, cuenta Clapton en su biografía. Bob Marley, ‘One Love’ y ‘Redemption Song’ Además de ser conocido por algunas atinadas frases que dijo durante su vida, por sus canciones, y por una carrera que aún hoy sigue siendo recordada, Bob Marley interpretó algunas canciones que hicieron referencia a Dios, a pesar de que en un principio él no pertenecía a una religión en sí, aunque la espiritualidad en sus letras siempre estuvo presente. En “One Love”, se pueden escuchar frases como “da gracias al Señor y me sentiré bien”, “no hay lugar oculto para el Padre de la creación” o “ten misericordia con aquellos cuyas oportunidades son pocas”. Además de estas frases, la canción en sí habla del amor como un sentimiento universal. Por otro lado en “Redemption Song” habla de la libertad, sin embargo, hay una frase que Marley dedica a Dios: “minutos después me sacaron del agujero más cruel pero mis manos se hicieron fuertes por la mano del Todopoderoso”. Y en los 90… Joan Osborne, ‘One of Us’ (1995) >Es una de las canciones más conocidas de la intérprete estadounidense, ya que la letra causó controversia en ciertos grupos conservadores religiosos. El tema fue escrito por Eric Bazilian, quien luego de regresar de Suecia, tomó su guitarra y comenzó a componer en un principio sólo la música, sin embargo, su esposa lo alentó a ir componiendo sobre la marcha la letra. Luego de tener lista la canción se reunió con sus amigos para presentársela, entre ellos se encontraba Joan, quien quedó encantada con ella y decidió grabarla. La polémica llegó poco después de haber sido lanzado el tema, ya que algunos aseguraban que ponía en duda la existencia de Dios —al cuestionar en la canción qué pasaría si Dios es un simple mortal—, sin embargo Bazilian negó dichas acusaciones. “Sobre esto puedo decir que no es una cosa religiosa puesto que no creo en las religiones. Mi relación con Dios es algo privado y muy personal. Mi idea no es llevar a nadie a que piense distinto a los ideales ya plasmados por la sociedad”, comentó en aquel entonces.
Una diseñadora de Nueva York presentó una demanda contra la viuda del ex-Beatle John Lennon, Yoko Ono, a quien acusa de haber plagiado sus diseños en la línea de ropa que lanzó el año pasado, publica el diario New York Post. Haleh Nematzadeh, propietaria de la firma Smashing Starlets, asegura que la línea 'Fashions for Men' que presentó Yoko Ono en noviembre pasado para la firma de ropa y complementos Opening Ceremony es una copia de su colección 'Gonna Walk The Night'. 'Me lo quitaron todo sin ninguna vergüenza. Me robaron descaradamente', aseguró al diario la diseñadora de Brooklyn, quien interpuso su querella el pasado viernes en un tribunal federal de ese barrio neoyorquino. Nematzadeh afirma que en julio pasado se reunió con fotógrafos de Opening Ceremony para que incluyeran en el catálogo de la tienda imágenes de su colección 'Gonna Walk The Night', en la que adorna las prendas con dibujos de manos sobre los pechos o la entrepierna. Pero la diseñadora alega que, en lugar de incluir su línea de ropa en su catálogo, Opening Ceremony presentó sin su autorización esos diseños al equipo de Ono, que alteraron ligeramente las prendas para convertirlas en una línea de ropa para hombre. Cuando Ono lanzó 'Fashions For Men'el año pasado, en lo que supuso su salto al mundo de la moda, aseguró que los diseños estaban basados en una serie de dibujos que le regaló al músico en 1969, inspirados en su 'cuerpo sexy' y que fueron editados en un libro. Según declaró a esa publicación el abogado de la diseñadora, Aymen Aboushi, las grandes compañías suelen copiar piezas de pequeños diseñadores 'todo el tiempo, pero lo que no sueles ver es a los artistas tratando de luchar por sus derechos'.
Dave Grohl le dio vida a su gran sueño: hacer un documental de un estudio de grabación, el "Sound City" que marcó toda una época. Su pasión fue tal que lo llevó a comprar la legendaria consola Neve 8028. La mesa de grabación, fabricada en 1972, es considerada por muchos como una joya real de los equipo analógicos de grabación, habiendo grabado a artistas tales como Neil Young, Fleetwood Mac, Tom Petty, Johnny Cash, Guns N´Roses, Metallica, NIN, Rage Against The Machine y otras innumerables leyendas de la música a lo largo de más de 40 años. El disco que acompaña este material fílmico, Sound City - Real to Reel, es una colección de canciones, cada una escrita y grabada exclusivamente para la película en 24 horas de sesiones.
Para estos temas, Grohl contó con los integrantes de su banda, Foo Fighters, y un gran elenco de invitados como Paul McCartney, Stevie Nicks, Rick Springfield, Trent Reznor, Joshua Homme de los Queens of the Stone Age, Rick Nielsen de Cheap Trick y muchos más. Grohl se enamoró del estudio cuando entró por primera vez como integrante de Nirvana. Nevermind fue el gran resultado, un disco que vendió más de 30 millones de copias a nivel mundial y dejó una marca en el panorama musical.
Antes de las disensiones internas que llevaron a The Beatles a su disolución, hubo una lucha aún más célebre que solo se libró con almohadas. Eran los tiempos de natural desparpajo de los "Fab Four" paralelos a la forja de su éxito mundial y sólo un fotógrafo estuvo ahí para contarlo.
"Harry Benson. The Beatles. On the road 1964-1966" (Taschen) recoge más de 1.700 fotografías realizadas por aquel reportero al que le cambió la vida el día en que canceló su vuelo a África y decidió atender una oferta de The Daily Express para documentar la "beatlemanía" en Francia.
Benson obtuvo pleno acceso al entorno privado de los Beatles y así registró momentos tan icónicos como el ya mencionado, en el que George Harrison, en bata y pijama, se escuda como un erizo de los ataques de Paul McCartney, John Lennon y Ringo Starr en la famosa batalla de almohadas que se produjo en su habitación parisina.
Fue también él quien les acompañó después en su primera visita a Estados Unidos y documentó su actuación en el programa de televisión de Ed Sullivan del 9 de febrero de 1964, que fue vista por más de 70 millones de espectadores, casi la mitad del país.
"I Want to Hold Your Hand" había despachado allí más de 2 millones de copias en la semanas previas a su aterrizaje en el aeropuerto internacional John F. Kennedy, donde les recibieron miles de seguidores con el mismo fervor con el que les habían despedido sus compatriotas, como atestiguan las imágenes de Benson.
Sumidos en un ritmo vertiginoso de conciertos y lanzamientos, por aquel entonces habían publicado "Please Please Me" (1963), "With the Beatles" (1964) y "A Hard Day's Night" (1964), peroel nivel de sus composiciones propias, aparte de éxitos como "Love me do" -el primero de todos- o el homónimo "A Hard Day's Night", distaba de alcanzar aún el cénit del dúo Lennon-McCartney.
A pesar de ello, América se rindió a los pies y a la cabellera de los cuatro de Liverpool como previamente lo había hecho Europa, y eso que lo mejor aún estaba por llegar.
A su éxito fulgurante en EEUU siguió una gira mundial que dejó otras tantas instantáneas de histeria colectiva y el testimonio gráfico del efímero paso por la banda del batería Jimmie Nicol en sustitución de un convalenciente Starr. "Debió de ser duro para él volver a hundirse luego en la oscuridad.
John opinaba que era un batería excelente. Aquel año trabajaron duro, grabaron sin cesar, realizaron giras y rodaron una película", comenta el fotógrafo en uno de los múltiples testimonios recogidos en esta obra, que se ha editado en formato de lujo.
En 1965, después de uno de sus trabajos más anodinos, "Beatles for sale" (1964), el cuarteto -que ya eran miembros de la Orden del Imperio Británico- comenzó a encadenar éxitos fundamentales como "Help!" o "Yesteray".
El objetivo de Benson retrató entonces importantes momentos íntimos, con las fugaces apariciones de Maureen Cox el día de su boda con Ringo Starr y de Pattie Boyd durante su luna de miel con George Harrison, ya en 1966.
Ese año, Benson volvió a convertirse en la sombra de los Beatles para ilustrar su nueva gira por EEUU, la tercera, en la que Lennon aseguró que se habían hecho más populares que Jesucristo.
Tras la reacción airada de grupos religiosos, el inglés pidió disculpas en un acto público celebrado en Chicago y el reportero escocés estaba también allí para retratarlo.
Benson, que fue nombrado Comandante del Imperio Británico, tuvo a raíz de este trascendente trabajo un acceso privilegiado a momentos de gran privacidad de otras personalidades comoMichael Jackson o Elizabeth Taylor -que se fotografió antes y después de serle extirpado un tumor benigno en el cerebro-.
"Mis fotos son como un documento histórico de la época, de cómo eran los Beatles y de cómo pensaban que eran. (...) Mis fotos de 1964 retratan una época en la que los Beatles eran naturales y distintos", declara en la entrevista que sirve de prólogo.
En ella, reconoce que aún le queda la sensación de que podría haberlo hecho mejor, pero que fue "el momento perfecto". "Y lo capté", sentencia.
El gran Eric Clapton sigue creando muy buena música. Su guitarra se mantiene viva. El músico inglés anunció la salida de su nuevo disco Old Sock, el número 21 de su carrera, el 12 de marzo. Los fans ya lo pueden escuchar los 12 temas por streaming. “Gotta Get Over” fue el adelanto y el álbum tiene versiones de Taj Mahal y Leadbelly, Gary Moore, “Still Got The Blues”, y un encuentro con Paul McCartney para el jazz “All Of Me”. Escuchá el disco.
1943. Nace Vangelis (de nombre real Evangelos Odyssey Papathanassiou), en Volos (Grecia). Compositor de música electrónica. Ha compuesto bandas sonoras para películas como “Blade Runner” o “Carros de fuego” (quizá la más conocida de cuantas ha firmado). En los últimos años también se ha dedicado a la pintura. Es primo del cantante Demis Roussos.
1959. Nace Perry Farrell, en Nueva York (Estados Unidos). Cantante de los rockeros Jane’s Addiction, grupo fundado en 1984 y disuelto en 1991. Luego formó Porno For Pyros y más tarde grabó en solitario.
1967. Los Beatles están grabando las sesiones de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, hoy trabajan en ‘With a little help from my friends’ y se hace público el título definitivo de un álbum que iba a cambiar el sentido de los elepés.
1993. Los Kinks, camino de la separación, y ante la indiferencia general, publican el disco “Phobia”. Es un trabajo muy irregular.
2009. Muere el compositor Maurice Jarre, en Los Ángeles, a causa de un cáncer. Tenía 84 años. Nacido en Lyon, pero nacionalizado estadounidense, fue un importante compositor de bandas sonoras para el cine. Entre sus trabajos se cuentan “Doctor Zhivago” (1965), “Lawrence de Arabia” (1962), “¿Arde París?” (1966), “La caída de los dioses” (1968), “Gorilas en la niebla” (1988) o “Ghost” (1990). Era el padre del compositor de música electrónica Jean-Michel Jarre.
2011. Se pone a la venta el álbum “Argán”, de Revólver, un disco con el que Carlos Goñi se aproxima, sin abandonar su sonido personal, a las músicas del norte de África.
2011. Se edita “Gran Rex”, disco en directo de Enrique Bunbury, grabado en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, los días 3, 4 y 5 de noviembre de 2010. La banda de acompañamiento, Los Santos Inocentes, estaba integrada por Ramón Gacías (batería y percusiones), Robert Castellanos (bajo y coros), Jorge Rebenaque (piano, Hammond, acordeón y cuerdas), Jordi Mena (guitarra eléctrica, guitarra acústica, mandolina, banjo y pedal steel) y Álvaro Suite (guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros).
Rutherford Chang es un hombre que decidió exponer sus 700 vinilos del A lbum Blanco de The Beatles. El nombre de la exposición es We Buy White Albums, en la Galería Recess, en el SoHo de Nueva York. Chang tiene casi 700 copias de la primera edición del emblemático vinilo de The Beatles, cuya portada la ideó el británico Richard Hamilton en 1968. Los visitantes pueden escuchar cada una de las copias, ordenadas por número de serie. “Muchos están en mal estado y rayados. Sin embargo, considero que en cuanto peor estado estén, son mas interesantes. Son artefactos culturales, una reacción hacia la ausencia de la condición física en la música digital”. Chang dijo que su copia preferida es “la de edición argentina que tiene todos los títulos en español”.
¿Se puede transmitir la esencia de una canción mediante una imagen? El artista gráfico Viktor Herz cree que sí, y para demostrarlo ha creado varios póster de bandas y cantantes míticos de las últimas décadas con decenas de imágenes que representan canciones.234 pictogramas de canciones representan a artistas tan dievrsos como The Beatles, Bod Dylan, The Rolling Stones o Elvis Presley.Cada imagen contiene varios pictogramas de algunas de sus canciones más famossas, ¿cuántas eres capaz de reconocer?.
Los Beatles fueron la principal referencia de las bandas pop británicas surgidas a mediados de los noventa. De la que probablemente fue la más popular, Oasis, se dijo que eran los nuevos Beatles. Paul McCartney, entrevistado en “Q”, se muestra satisfecho de haber influido en aquellos grupos, pero cuando, como en el caso de Oasis, se hacían comparaciones con los propios Beatles, considera que se creaban unas falsas expectativas, ya que era imposible compararse con la banda de Liverpool, porque eso es “el beso de la muerte”.
“En realidad me siento honrado. Podrían copiar a cualquiera, incluso cuando las cosas suceden como con Oasis, diciendo: ‘Entonces nosotros somos los próximos Beatles’. Pero pienso: ‘Escuchad, muchachos, no se puede decir eso. Y no digas eso, porque probablemente eso es el beso de la muerte’”, explica Sir Paul. “En el caso de Oasis, creo que vino de ellos. En otros, es cosa del sello discográfico o del management y nunca es una buena idea. ¡Pobre banda! Ahora ve y haz mejor lo que los Beatles hicieron. No es tarea fácil”. Desde luego que no lo es.
La lista de éxitos más importante del país no se ha tomado un descanso desde su nacimiento en 1966. Por eso no hemos querido dejar de echar un vistazo a las canciones que más sonaban en días como el de hoy de otros años. “Rehab”, “Hope of Deliverance”, “Nobody told me” o “Da’ ya’ think I’m sexy” son solo algunos ejemplos.
En una reciente entrevista, Paul McCartney admitió que la presencia de Yoko Ono en las sesiones de grabación de los Beatles hizo enojar al grupo.
McCartney habló para la revista Q sobre la situación con Yoko, quien durante años fue señalada como la "culpable" de la separación del cuarteto.
"Debido a que habíamos sido un grupo muy unido y el hecho de que John se estuviera poniendo bastante serio sobre lo de Yoko en ese momento, ahora puedo ver que estaba disfrutando su libertad.
"Pero cuando ella se presentó en el estudio y se sentó en medio de nosotros, haciendo nada, aún admito que todos estábamos enojados. Mirando hacia atrás (Yoko y yo), hemos hablando acerca de esto. Creo que ella se da cuenta que debió haber sido un shock para nosotros. Muchas cosas que ocurrieron fueron buenas para nosotros, aunque en ese momento no lo pensábamos así", detalló.
Apenas en octubre del año pasado, McCartney aseguró que Yoko no tuvo nada que ver en la separación de Beatles.
"Ella ciertamente no rompió el grupo. No creo que puedas culparla a ella de nada. Cuando apareció Yoko, parte de su atractivo fue su parte más vanguardista, su visión de los cosas. Ella le enseñó una forma diferente de ser, que le resultaba muy atractiva. Por eso, era el momento de John para irse", aseguró el cantante.
Por su parte, Yoko señaló que fue Paul quien los separó, pues tanto John como Ringo y George querían dejar el grupo, porque sentían que se estaban convirtiendo en la banda de McCartney.
Son miles de imágenes en las que se los ve reir, cantar, hablar, comer e interactuar. El conocido fotógrafo Henry Grossman publicó un libro con más de mil fotografías inéditas de Los Beatles que tomó a lo largo de varios años.
La publicación se llama Places I Remember: My Time With The Beatles y allí se verán muchas de las más de 6 mil fotos que el reportero gráfico, conocido por trabajar en las revistas Time y Life, captó durante la década del 60 con la banda inglesa.
"Ellos estaban acostumbrados a verme con una cámara, documentando todo lo que pasaba a mi alrededor. Fue simplemente una parte de mí, parte de lo que yo era. Me había convertido en un amigo, así que cuando saqué mi cámara, nadie pensó dos veces. A nadie le importaba", explicó Grossman, a la compañía que edita el libro.
La intimidad de John Lennon es patrimonio universal. Sus cartas manuscritas, su primera guitarra, un álbum de fotos de su primer hijo aún bebé o los primeros pasos de su éxito con The Beatles, incluidos discos de oro. La colección personal que Julian Lennon -el mayor de sus hijos- y su madre Cynthia -su primera esposa- conserva en torno a su padre y la historia recopilada de la mítica banda británica ha viajado desde Liverpool hasta Gibraltar, siendo la primera vez que esta exposición cruza las fronteras de esta ciudad inglesa.
La relación de Lennon con Gibraltar fue muy estrecha, prueba de ello la boda que contrajo en el Peñón un 20 de marzo de 1969 junto a Yoko Ono y para el recuerdo queda la foto que ambos se hicieron vestidos de blanco portando el certificado de matrimonio. Esta imagen como otras de carácter mucho más personal se encuentran completando una exposición de alrededor de 200 objetos sobre la vida íntima y familiar del cantante de The Beatles, así como los recuerdos que posee Julian del grupo de su padre, que integraba junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.
Durante todo el año podrá visitarse esta exposición, que aterriza en la península ibérica, concretamente en Gibraltar, en la galería Gustavo Bacarisas en la plaza Casemates de lunes a sábado de 9:00 a 18:00 horas y los domingos de 10:00 a 14:00 horas.
Sus puertas estarán abiertas hoy al público, ayer se ofreció una inauguración más personal en la que autoridades y medios de comunicación pudieron descubrir con atención este legado de Lennon. En la primera sala el Grammy recibido por el grupo en 1964 por su tercer álbumA hard day's night saluda a los visitantes; junto al galardón se puede ver un reproductor americano, adquirido por el grupo en una tirada de 5.000 ejemplares. Una columna se cubre de discos de oro, entre ellos de títulos como I want to hold your hand y Something new. En un lateral se dibuja el árbol genealógico de la familia, se expone un álbum de fotografías del pequeño Julian y entre frases en inglés que impregnan la pared Cynthia explica que el éxito de The Beatles no se fraguó en una noche, sino que nació de una progresión, desde la Caverna hasta Hamburgo.
En la segunda sala una frase de John Lennon adhiere impacto visual con su mensaje: "I've always needed a drug to survive" (Siempre he necesitado una droga para sobrevivir). Los discos de oro de Help o Yesterday aparecen también decorando los metros cuadrados de este espacio singular. El abrigo negro usado para la mítica portada del disco Help también aparece expuesto y conservado en una vitrina, al igual que el abrigo afgano clásico de Lennon. Un reloj de bolsillo entre frases de Cynthia y cartas de navidad a su hijo forman parte de este espacio de la exposición en el que también aparecen casi una veintena de fotografías colgadas del ambiente familiar con marcos más antiguos. La frase de su entonces esposa : "He had a lot of pain, so he didn't trust anybody. But when had time together, we had no problems, truly". (El estaba muy dolido, por eso no confiaba en nadie. Pero cuando estábamos juntos no había problemas, verdaderamente) da paso a la tercera sala de la galería.
Uno de los tesoros de la colección de Julian Lennon puede ser precisamente uno de los objetos que en ésta se aprecian, como la canción manuscrita de Hey Jude por parte de Paul McCartney al hijo del cantante de The Beatles. En una pequeña vitrina se observa la canción entre apuntes. Además una gran pantalla recoge impresiones personales de Julian y Cynthia y aparecen más discos de oro y de platino, entre ellos Yellow Submarine o Lady Madonna. Otro de los grandes atractivos de la tercera fase de la muestra es la motocicleta Honda de John Lennon, la cual condujo su hijo y aparece expuesta y reconocible, siendo de 1970 con una frase del primogénito que subraya que es uno de los recuerdos más felices que conserva de ambos.
En la última sala, que da paso a la tienda de recuerdos de The Beatles, una marquesina negra expone la fecha de nacimiento y fallecimiento del mítico cantante (9 de octubre de 1940-8 de diciembre de 1980). En la misma aparece la fotografía de Lennon con Ono y Gibraltar a sus espaldas. En sus pareces emana ya un aspecto más agridulce de la relación con su padre, una frase lo demuestra: "Julian would wait for the phone ring, it's daddy?" (Julian esperaría la llamada de teléfono, ¿es papa?). Se cuelgan fotografías de ambos, así como una reproducción de la primera guitarra que tuvo John Lennon, a los 10 años, y en la que en una placa se lee: "para Julian de papá, navidades 1973".
La colección de Julian es una montaña rusa sentimental de la vida familiar de la estrella británica y su vida más reservada, una muestra única, personal y memorable en la que su hijo recuerda que John Lennon "es un ídolo para millones de personas que crecieron amando su música y sus ideales, pero para mí él es el padre que amé y perdí". Un gran porcentaje de los beneficios de la exposición se dirigen a aspectos humanitarios a través de la Fundación Pluma Blanca, creada por Julian Lennon.
El ministro principal de Gibraltar, Fabian Picardo, presidió la inauguración ayer destacando la estrecha unión de Lennon con el Peñón, sin embargó aplaudió la oportunidad de poder conocer a su primera familia. Espera que Julian Lennon venga a visitar personalmente la exposición y aprovechará entonces para conocer la razón que le ha motivado a traerla a Gibraltar, además de subrayar el gran esfuerzo del Gobierno por superar todos los obstáculos para traerlo.
Se cumple este año medio siglo de esa aventura irrepetible que fueron The Beatles, por quienes, no puedo ocultarlo, siento verdadera admiración desde donde alcanzan mis recuerdos. Seguramente fue una conjunción también irrepetible algo único en un momento único. Podría contar mil y una cosas sobre The Beatles, pero como este es el blog de Días de Cine, nos centraremos en lo que nos toca, es decir, el cine, donde tanto de forma directa como indirecta, también causaron estragos.
Apenas acababan de iniciar su reinado en el mundo del pop cuando surgió la idea de hacer un film con aquellos melenudos. No era nada novedoso, el referente inmediato eran las insulsas películas al estilo de las de Elvis, que, todo hay que decirlo, fue rechazado por los mismos Beatles.
Reyes de la modernidad, en aquel lejano 1964, el escritor Alun Owen fue el encargado de escribir un guión en el que cada Beatle quedara fielmente reflejado, y en el que se reflejaba, también fielmente, el loco mundo de aquello que se llamó beatlemanía.
Richard Lester, norteamericano residente en Gran Bretaña, fue el encargado de dirigir aquella película de bajísimo presupuesto que corría prisa en estrena porque, la verdad, incluso en medio de un éxito sin precedentes, nadie daba un penique por que los Beatles durasen más que unos meses.
El resultado de aquella aventura fue un falso documental, que hacía un uso exahustivo de los recursos formales de la nouvelle vague y el free cinema, además de constituir el punto de partida para toda la industria de lo que hoy conocemos como videoclip
¡Qué noche la de aquel día! presentaba un supuesto día típico de los Beatles por aquellos tiempos, y entre locura y locura, asistíamos con la ligereza aparente de las grandes obras, a una irónica, lúcida y mordaz crítica al mundo del espectáculo, a las fans, a los agentes artísticos, al ya por entonces absurdo y frívolo mundo de la televisión, ah, y también a los eternos valores británicos. Todo ello con una curiosa mezcla de slapstick, hermanos Marx y las vanguardias cinematográficas de la época.
¡Que noche la de aquel día! Resultó ser un gran éxito, y por supuesto, ahora lo sabemos, los Beatles sobrevivieron a aquel año del 64, de modo firmaron un acuerdo con United Artists por dos films más.
El primero de ellos, Help, quiso ser diferente de su rompedor predecesor. Para esta ocasión se eligió parodiar las películas Bond, de las que ya se llevaban algunas entregas, y ya por entonces exitosas y exóticas. Rodada en color, y dirigida de nuevo por Richard Lester, Help era una alocada comedia a la que hoy se puede calificar justamente de pop, aunque en su día pareciese menos redonda que su predecesora.
En Help asistíamos a una absurda trama en la que una secta india trata, incansablemente, de hacerse con el anillo de Ringo, que necesitan para consumar un ritual de sacrificio humano. El pobre Ringo, y los Beatles detrás, recorrían el mundo huyendo de aquellos fanáticos tan tremendamente torpes como divertidos. Entre escenario y escenario se iban desgranando las canciones compuestas para la banda sonora, y cuya puesta en escena, constituía ya un auténtico manual de estilo para el 90 por ciento de los videoclips.
El color reflejaba el espíritu de la época, y daba el brillo necesario a un film en el que se ridiculizaba sin compasión al glorioso Imperio Británico. Las canciones sonaban gozosas y además, había muchas carcajadas. Help fue un gran éxito de público, aunque la crítica no quiso sustraerse al resplandor de ¡Qué noche la de aquel día!
En lo que a cine de ficción se refiere, Los Beatles decidieron, ingenuamente, que ellos mismos serían los responsables de su siguiente film. Con "Magical Mistery Tour", rodado en tan solo 8 días, los Beatles denostaron que todo lo que sabían de hacer buenas canciones lo desconocían del cine.
Una trama infantil y psicodélica, y un rodaje en 16 milímetros dieron como resultado un mediometraje destinado a la televisión que fue blanco de las más duras críticas.
Por una vez, los críticos tuvieron razón, porque la película era un despropósito formal y de fondo, aunque hoy, 45 años después, tiene el valor documental de cualquier imagen de los Beatles, ya sea vestidos de brujos o de frac blanco, además de la puesta en escena de temas fundamentales en la discografía de los Beatles como I´m de walrus.
Tras el varapalo de Magical Mistery Tour, Yellow Submarine supuso una revelación. Originalidad, frescura y vanguardia inundaban aquellos dibujos que recorrían en sus muchos recovecos buena parte del universo de la cultura popular del siglo XX.
El punto de partida para Yellow Submarine fue, aparte de la canción del mismo título, los 39 capítulos de la serie para televisión de dibujos animados que Al Brodax dirigió en el año 65 para la ABC.
A diferencia de sus otros films, Los Beatles se mantuvieron relativamente al margen de la producción. Al Brodax escribió el guión junto con Eric Segal, confiando la dirección a George Dunning. De la dirección artística se ocupó el diseñador aleman, Heinz Edelmann. Un reducido equipo de animadores dio forma a aquel mundo mágico, Pepperland, y todos los increíbles sucesos que por aquel escenario sucedían. Siendo como eran aquellos días de amor universal y pacifismo, Yellow Submarine aparece como el perfecto espejo de un mundo ya desaparecido.
Se acababa la década, y con ella, aun sin saberlo, Los Beatles, quienes en un último esfuerzo, decidieron rodar un documental, de nuevo germen de toda una forma de contar en el futuro la crónica de un grupo de rock.
Aquella aventura, la del intento de The Beatles por recuperar la frescura perdida en los estudios, y el placer de tocar en directo se iba a llamar Get back, aunque acabó siendo Let it be.
De sabor amargo para los fans, por las evidentes desavenencias en pantalla entre los mismos Beatles, pero también con la magia irrepetible de aquel improvisado concierto en la azotea de Apple que tuvo lugar el 31 de Enero de 1969, mil veces imitado después.
Después, ya se sabe, The Beatles se separaron, esa, sin duda, es otra historia. Muy recordada, y muy poco vista es aquella aproximación que un joven Robert Zemekis hizo a aquel momento clave para la historia de la música en Estados Unidos que fue la primera actuación de Los Beatles en el Show de Ed Sullivan. Aquí se llamó “locos por ellos”, su título original “I wanna hold your hand”, que evocaba a la canción con la que The Beatles conquistaron América. Como curiosidad, años después reconoció Bob Dylan que en su momento, 1964, no podía quitarse esa canción de la cabeza, pero que le costaba mucho reconocerlo, porque, se suponía, Los Beatles eran un conunto para “teenagers”.
Se han hecho documentales sobre John Lennon y sobre George Harrison, incluso un biopic sobre la juventud rebelde de John Lennon, la muy estimable Nowhere Boy. También una película sobre un supuesto y mítico encuentro en 1974 en Nueva York entre John Lennon y Paul McCartney, de título, “Two of Us”.
Tras el mastodóntico documental para la televisión “Anthology” de 13 hoiras, poco quedaba por decir ya. Sus canciones forman parte del imaginario colectivo de medio mundo, y han ilustrado muchos momentos cinematográficos, aunque todo hay que decirlo, las canciones Beatles se cotizan las más caras del mercado. El uso en un capítulo de la quinta temporada de Mad Men de “tomorrow never knows” batió recientemente todos los records de pago de derechos: 300.000 dólares.
Es por ello comprensible que haya sido más habitual el uso de versiones de aquellas canciones eternas para dar forma a la banda sonora de algunas películas, desde aquella lejana “todo esto y la segunda guerra mundial” o aquel despropósito que fue “Sgt Peppers Lonely Heart´s club band”. Mucho mejor el resultado en “Yo soy Sam”, a “Across the universe”, musical moderno que cuenta la historia de Jude y Lucy, sus protagonistas, y todos aquellos que les rodean, a través de las canciones (magníficamente versionadas) de Los Beatles.
Las recetas caseras de una de las familias vegetarianas más conocidas, los McCartney, salen a la venta de la mano de Mary, la hija mayor de Paul y Linda, que ha recopilado en un libro todo que le gusta comer desde niña.
